Das neue Thema nennt sich „Tonräume in Köln“ und stellt verschiedene Veranstaltungsorte in Köln unter musikalischen aber auch architektonischen Gesichtspunkten vor. Ausserdem wird von den Schülern an jedem vorgestellten Ort auch ein sogenanntes „Geocache“ angebracht, damit Menschen, die nach solchen Caches suchen auch automatisch etwas über den „Tonraum“ erfahren können.

Wir würden uns freuen Sie auch auf dem neuen Blog „tonraumguide cologne“ begrüßen zu dürfen, der sich langsam mit Inhalten füllt.

Kurs 12, KAS.

Bitte um Ergänzungen.

Stilrichtungen der Kunstmusik des 20 Jh

• Zum einen eine komplette Sammlung zu Kompositionstechniken in der Kunstmusik des 20. Jahrhunderts, diese sogar mit zahlreichen Hörbeispielen und auch Arbeitsaufträgen, sozusagen zum Selbststudium
• Und dann hier eine kurze aber vollständige Zusammenstellung in tabellarischer Form mit Hinweisen auf die entsprechenden Komponisten.

Auszüge:

Alex Ross: „Im Wien des frühen 20. Jahrhunderts sind der alte Mahler, der junge Schönberg und der erfolglose Hitler die gleichen Straßen entlanggewandelt und haben die gleiche Literatur gelesen.“

Alex Ross: „Der große Innovator der Minimal Music, Steve Reich, hat einmal gesagt, er habe in seiner Jugend nur Bach und Strawinsky gehört. Ausgelassen habe er dagegen alles Epische der deutschen Romantik, Beethoven, Brahms und Wagner. Die Quellen, auf die sich Reich bezog, hatten indirekt damit zu tun, dass er der Falle „deutscher Kultur“ entkommen wollte, um eine ganz eigene musikalische Sprache zu finden. Reich vermied in seinen Kompositionen bewusst eine mit der Romantik assoziierte Üppigkeit. Auch bei seinen ersten Aufführungen in den USA kam es zu Skandalen, die Zuhörer hielten Minimal Music nicht aus. Dabei kehrt Reich in gewissem Sinn zur Tonalität zurück.“

Alex Ross: In einer idealen Welt würde jeder für sich selbst Musik machen. Dann bräuchte es auch keine Aufnahmen und Konzerte. Brechts Aussage passt gut zur Professionalisierung des Musiklebens im 20. Jahrhundert, wo es inzwischen für alles eine Nische gibt. Aber es hat sich auch eine Lücke zwischen Zuhörern und Musikern aufgetan. Letztere vollführen auf der Bühne ein unnachahmliches magisches Ritual und Erstere verfolgen es passiv zuhörend. Für das Kulturleben wäre es aber gesünder, wenn mehr Menschen Musik spielen würden.

Ihr Buch verknüpft die Entwicklung klassischer Musik im 20. Jahrhundert sehr eng mit den gesellschaftlichen Prozessen, warum?

Auch in den USA beurteilte man klassische Musik lange Zeit rein nach formalen Aspekten. Politische und soziale Implikationen wurden oft vermieden. Ich finde, es lässt sich viel über Musik lernen, wenn man ihre soziologischen Dimensionen berücksichtigt. Ich habe selbst eine klassische Musikausbildung durchlaufen, mich aber immer auch für Geschichte, Kunst und Literatur interessiert. Beim Schreiben von „The Rest is Noise“ wurde mir klar, dass ich die Musik des 20. Jahrhunderts im Lichte ihrer politischen Umstände diskutieren muss. Trotzdem gilt es, vorsichtig zu sein und keine eindimensionalen Schlüsse aus dem Verhältnis von Musik zu ihren jeweiligen sozialen und kulturellen Kontexten zu ziehen. Es bleibt immer ein Rest Unsicherheit, warum sich bestimmte Komponisten in dieser oder jener Musikfarbe oder -form zu einer bestimmten Zeit ausgedrückt haben. Man hört sich Musik auf verschiedene Weisen an: intellektuell, kontextuell oder eben intuitiv, sinnlich.

Warum beginnt Ihr Buch mit Gustav Mahler?

In seiner Musik kommen multiple modernistische Identitäten zum Tragen. Zwischen 1900 und 1910 tauchen dissonante Klänge bei ihm auf. Aber es gibt bei Mahler auch eine Art ironische Abwandlung des Bestehenden. So benutzt er Ländler-Zitate und führt diese kitschigen Motive in katastrophische Szenen. Gleichzeitig schaut Mahler zurück und sehnt sich nach der Romantik. Nostalgie und Trauer sind seiner Musik inhärent. Auch das ist Modernismus: eine Stimme, die sich gegen die Moderne erhebt. Mit Mahler wollte ich unterstreichen, dass die Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts aus Parallelwelten besteht, die sich simultan auffächern.

Wien gilt als die erste Musikmetropole der Moderne. Dort wurden auch zuerst die Skandale von Musikern ruchbar.

Es gibt Referenzen in den Kompositionen von Alban Berg, die auf sein turbulentes Liebesleben anspielen. Und Arnold Schönbergs Ehekrisen schlugen sich stets in seinen Werken nieder. Das wissen wir, weil es in ihren Tagebüchern steht. Damals erfuhr die Öffentlichkeit wenig von dem, was hinter den Kulissen passierte. Skandale spielten sich im Musikalischen ab. Die Zuhörer waren von der Atonalität schockiert. Das setzt sich bis heute fort. Wenn Schönberg in New York aufgeführt wird, spürt man bei den Zuhörern immer ein gewisses Unbehagen. Als Komponist wird Schönberg nicht im gleichen Maße akzeptiert wie etwa Picasso, dessen Motive auf Kaffeetassen prangen. Das Getöse und der Furor in Schönbergs Musik stoßen heute noch auf breite Ablehnung.

Ist es Zufall, dass Schönberg und Hitler mutmaßlich die gleiche Literatur gelesen haben?

Nein, im Wien des frühen 20. Jahrhunderts sind der alte Mahler, der junge Schönberg und der erfolglose Hitler die gleichen Straßen entlanggewandelt und haben die gleiche Literatur gelesen. Etwa Otto Weiningers Kolportage-Bestseller. Weininger war ein Beispiel für jüdischen Selbsthass, der damals auch antisemitisch ausgelegt wurde, eine psychologische Horrorshow mit pseudophilosophischen Untertönen. Für mich ist daran nur ersichtlich, dass eben auch Schönbergs Musik aus dem Chaos erwächst und gewalttätige Impulse hat. Genau das gibt seiner Musik auch Kraft. Mein Buch dreht sich auch um Hitlers Musikgeschmack. Wie die Menschen sich heute mit Wagner beschäftigen, hat auch mit Hitlers Bekenntnis zu dessen Musik zu tun. Musik darf nicht von Hitler oder Stalin überschattet werden. Sie gehört in die Welt, aber sie hat auch eine gegenweltliche Komponente. Wir sind jedenfalls nicht dazu verdammt, Musik so zu hören wie Hitler oder Stalin. Wir haben die Freiheit, ihr Hörempfinden abzulehnen und uns ihre Lieblingskomponisten anders anzuhören.

Ausführlich widmen Sie sich den Komponisten im Totalitarismus.

An Dmitri Schostakowitsch und Richard Strauss lässt sich erkunden, wie Künstler in Diktaturen gewirkt haben. Sie trafen aus freien Stücken Entscheidungen. Trotzdem kann selbst die Musik dieser dunkelsten Phase der Geschichte ihren Bedeutungen entwischen. Schostakowitschs Musik ist auf viele Arten enigmatisch. Auch Strauss hatte eine Fassade, er gibt sich als distanzierter Mann von Welt, der sich mit den Nazis arrangiert hat. An Strauss rütteln aber noch ganz andere Kräfte. Aus seiner Musik spricht etwas Turbulentes, was auf seine Kindheit zurückzuführen ist. Strauss „Metamorphosen“ oder die Achte Sinfonie von Schostakowitsch sind für mich Beispiele eines künstlerischen Willens, Musik auch unter schrecklichen Vorzeichen durchzuziehen.

Gesamter Artikel und Quelle

„Jazz, Rock- und Popmusik (von Peter Wicke, Humboldt-Universität, Berlin)

Die populären Musikformen sind im zwanzigsten Jahrhundert zu einer nahezu allgegenwärtigen Erscheinung des Alltagslebens geworden, wobei sie — über die modernen audio-visuellen Massenkommunikationsmittel massenhaft produziert und verbreitet — zunehmend einen globalen Charakter angenommen haben. War ihre Entwicklung noch im neunzehnten Jahrhundert an regionale oder lokale Funktions- und Wirkungszusammenhänge gebunden, die sich in jeweils charakteristischen Musikformen und einem entsprechend identifizierbaren musikalischen Idiom niederschlugen (z.B. Wiener Walzer), so treten mit der Herausbildung des modernen Industriekapitalismus, der Bindung der populären Musikformen an die Massenmedien und der Entstehung einer komplexen, nach und nach internationalisierten Musikindustrie an deren Stelle nun soziale, technologische und ökonomische Faktoren, die aus der populären Musik eine transnationale Musikpraxis haben werden lassen. Dabei sind nicht nur lokale und regionale Musiktraditionen aus allen Teilen der Welt in diesen transnationalen Zusammenhang integriert worden — angefangen bei den verschiedenen Formen der afroamerikanischen Musik zu Beginn des Jahrhunderts bis hin zu Ethno Pop und World Music, den sich seit Beginn der achtziger Jahre wachsender Popularität erfreuenden traditionellen Musikformen und ihren Pop-Derivaten aus den Ländern der sogenannten Dritten Welt. Innerhalb solcher globalen Zusammenhänge sind auch eine ganze Reihe neuartiger Musikformen entstanden, die — wie die zeitgenössischen Formen der Popmusik — jede spezifische Bindung an nationale oder regionale Musikkulturen verloren haben.“

Jazz, Rock und Popmusik sind ohne Zweifel wichtige, vor allem aber folgenreiche musikalische Erscheinungen dieses Entwicklungsprozesses, mitnichten jedoch die einzigen. Mit gleicher Berechtigung könnte an dieser Stelle eine Betrachtung desSchlagers, der die erste Hälfte des Jahrhunderts dominierte, der Gesellschaftstänze und verschiedenen Formen von Tanzmusik oder des Musicals stehen, selbst wenn die Grenzziehungen zwischen ihnen oft problematisch sind. Daß aus den im zwanzigsten Jahrhundert dominierenden populären Musikformen Jazz, Rock und Popmusik hier herausgegriffen wurden, ist dennoch mehr als nur dem Zwang zu äußerster Beschränkung im vorliegenden Kontext geschuldet, markieren sie doch drei entscheidenden Entwicklungsstadien im Prozeß der Herausbildung jenes transnationalen Zusammenhangs, der für die populäre Musik dieses Jahrhunderts so charakteristisch geworden ist.

Jazz gehörte zu den ersten Formen der populären Musik, die eine nahezu globale Verbreitung fanden. Rockmusik ist dann schon ausschließlich in globalen Zusammenhängen produziert und verbreitet worden, obwohl mit dem amerikanischen Rock’n'Roll und der britischen Beatmusik noch aus nationalen Kulturzusammenhängen hervorgegangen und durch deren Besonderheiten geprägt, während die Popmusik eine transnationale Musikpraxis ist, die auf nationale Kulturzusammenhänge nicht mehr zurückgeführt werden kann. Darüber hinaus besitzen Jazz, Rock und Popmusik in den afroamerikanischen Traditionen und in den in den USA entstandenen frühen Formen industrieller Musikproduktion (Tin Pan Alley) nicht nur gemeinsame musikalische Wurzeln; sie stehen auch untereinander in einem direkten Entwicklungszusammenhang.

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Lg

A. Spang

Klangstudie II (1952 primitive electronica)

Herbert Eimert wurde im Jahre 1897 geboren und starb  1972 mit 75 Jahren.  Er war bekannt als Komponist und Theoretiker und Joursnalist für Musik. Schon in jungen Jahren hatte er eine Schwäche  für Musik und studierte sie. Später gründete er in Köln sogar das erste Musikstudio für elektronische Musik der Welt, dessen Leitung Stockhausen übernahm.

Seine Musik ist eine Art Erweiterung der Zwölftonmusik. Eimert befasste sich mit der elektronischen Musik und entwickelte Klangspiele.

Das oben gezeigte „Stück“ ist ein bisschen abgespaced, aber schaut es euch doch selber an

Drei Komponisten aus Wien bestritten eine neue Ära der Musik. Es waren Arnold Schönberg und seine Schuler, die die „Neue Wiener Schule“ ausmachten. Schönberg war die zentrale Persönlichkeit, er war Neu-Denker und fordernder Lehrer. Schönberg selbst sagte einmal : „Die Härte meiner Forderungen ist auch der Grund, warum von meinen unzähligen Schülern nur wenige Komponisten geworden sind“. Doch zwei Schüler sollten sich als ihm ebenbürtig erweisen. Alban Berg und Anton Weber, der im Schatten seines weltläufigeren Kollegen stand. Beide übernahmen und modifizierten die von Schönberg Anfang der 1920er Jahre enwickelte Zwöftontechnik. Darüber hinaus war die Emanzipation der Atonalität ein inhaltlicher Schwerpunkt der Zweiten Wiener Schule. Mit Beginn der 1930er Jahre endete die gemeinsame Arbeit der „Wiener“. Später  emigrierte Arnold Schönberg über Frankreich in die USA, Alban Berg starb 1935, nur Anton Webern blieb in Wien.

Ein Beispiel von Arnold Schönberg

v.l.n.r. Alban Berg, Arnold Schönberg

12ton by me

es gibt noch einige wenige von euch, die immer noch keinen Blogeintrag verfasst haben. Bitte erledigt dies bis zum 16.12.09.

Noch freie Themen für eure Recherchen und Arbeit findet ihr unter dem Blogeintrag vom 6.12.09.

Alle anderen Schüler können ihre Blogeinträge evtl. noch überarbeiten (z.B. auch gestalterisch) oder die Einträge der anderen Schüler kommentieren.

MfG

A. Spang